Stefano Arienti

Stefano Arienti nasce ad Asola, in provincia di Mantova, nel 1961 e dal 1980 vive e lavora a Milano. Non ha una formazione artistica accademica: si laurea in Scienze Agrarie nel 1986, con una tesi in virologia, ed è sostanzialmente autodidatta. L'incontro decisivo arriva nel 1985, quando partecipa alla collettiva "Muffe" nell'ex fabbrica Brown Boveri di Milano e conosce Corrado Levi, che resta il suo primo riferimento e la prima persona a credere nel suo lavoro. La prima personale, nel 1986, si tiene infatti nello studio dello stesso Levi. La prima personale in una galleria arriva nel 1989, tra lo Studio Guenzani di Milano e la Galerie Daniel Buchholz di Colonia, in una mostra condivisa con Alberto Garutti. La consacrazione pubblica avviene nel 1990, alla 44esima Biennale di Venezia, nella sezione Aperto, riservata alle ricerche più giovani.

La sua ricerca cresce accanto a quella di una generazione di artisti italiani che, nella seconda metà degli anni Ottanta, si confronta con l'eredità dell'Arte Povera e del concettuale cercando strade diverse dal gesto pittorico tradizionale. Arienti sceglie i materiali più umili e più diffusi: carta, libri, cartoline, manifesti pubblicitari, fotocopie, plastilina, tessuti. Su queste superfici applica procedimenti fisici precisi, quasi protocolli da laboratorio: piega e perfora intere pagine stampate nella serie dei "Traforati", trasformando l'immagine riprodotta in una trama di vuoti; brucia, cancella o ricama su manifesti e fotocopie; stende plastilina su superfici pittoriche; dal 1999 introduce anche il disegno. Non dipinge nel senso tradizionale: manipola immagini che già esistono, che circolano come merce visiva, cartoline turistiche, pagine di enciclopedie, poster pubblicitari, e le costringe a mostrare un'altra forma attraverso un intervento manuale lento, ripetuto, quasi seriale.

Lo stesso metodo lo applica alla storia dell'arte, trattata come un repertorio di immagini da riaprire: lo fa con Canova in "Amore e Psiche" (2001) e con Mantegna in "L'incontro" (2006), due rielaborazioni che restano fuori dal mercato corrente fino al 2023-24, quando entrano nella collezione di VILLÆ, il parco archeologico che riunisce Villa Adriana e Villa d'Este a Tivoli, tramite il Piano per l'Arte Contemporanea del Ministero della Cultura. Si tratta del riconoscimento istituzionale più recente per un lavoro che, nell'arco di quasi quarant'anni, ha attraversato le maggiori biennali e i principali musei italiani senza mai allontanarsi dai suoi materiali di partenza: carta, immagini stampate, gesto manuale.

Questa continuità spiega perché le sue opere siano entrate, nel tempo, in collezioni di natura molto diversa tra loro: quelle bancarie come l'UniCredit Art Collection, quelle legate a un museo come la Fondazione CRT (depositata tra Castello di Rivoli e GAM Torino), quelle industriali come la Fondazione Zegna, e infine un sito archeologico statale come VILLÆ. Il premio alla Quadriennale di Roma del 1996 resta però l'unico riconoscimento artistico individuale documentato nella sua carriera: tutto il resto del percorso espositivo, dal MAXXI a Palazzo Grassi, passa attraverso mostre e acquisizioni istituzionali, non premi.

Guardato oggi, questo percorso resta un caso a parte proprio perché nasce fuori dal sistema accademico dell'arte: un laureato in agraria che applica alle immagini stampate la stessa precisione manuale che avrebbe applicato in laboratorio, senza mai cercare un linguaggio pittorico nel senso convenzionale del termine. È questa distanza dal mestiere tradizionale del pittore, insieme alla costanza dei materiali usati per quasi quarant'anni, a rendere la sua ricerca riconoscibile anche a chi non conosce nel dettaglio le singole opere.